jueves, 21 de septiembre de 2017

WEIRD TALES Y EL PULP DE FANTASÍA Y TERROR

"Weird Tales y el pulp de fantasía y terror" de Javier Jiménez Barco
Javier Jiménez Barco
La hermandad del enmascarado. Bilbao-Madrid, 2017.
193 páginas, 19 euros.


TODOS LOS HORRORES
Esta semana comento un libro que no trata específicamente de comics pero sí del lugar donde se publicaron muchas fantasías posteriormente adaptadas a las viñetas, prácticamente la madre de todos los horrores y terrores modernos: Weird Tales.


Nombrar esta publicación supone evocar de inmediato a R. E. Howard y H. P. Lovecraft, dos de sus más insignes colaboradores, que murieron en 1936 y 1937 respectivamente. Howard tenía treinta años y Lovecraft cuarenta. Aunque el texto no se centra exclusivamente en sus obras sí que las menciona con el detenimiento y la atención que se merecen. Por supuesto habla de otros muchos creadores, de E. Hoffman Price a Clarck Ashton Smith pasando por Robert Bloch o Catherine Lucille Moore. Todo lo que cuenta es tan interesante que es difícil elegir por dónde comenzar.

Primero, señalar que este volumen es una agradable rareza. Su autor no teme expresar las opiniones más personales y aunque todos sus argumentos vienen apoyados por una sólida argumentación y un conocimiento profundo de lo tratado, resulta muy refrescante comprobar que todavía quedan críticos que no se la cogen con papel de liar y transitan las sendas que les dictan su sentido común y sus pasiones, sin seguir los dictados de nadie. En ese sentido se hacen constantemente afirmaciones poco habituales y que desafían con agradable firmeza algunos de los tópicos más establecidos.

Segundo, agradecer lo profusamente ilustrado que está el libro. Del abundante conjunto de imágenes se deduce que, salvo notables excepciones, la parte gráfica no era lo más sobresaliente de la publicación. Aunque obviamente siempre es un placer contemplar las creaciones de Allen St. John, Hannes Bok o de Virgil Finlay, así como descubrir autores de los que apenas se tienen referencias.

"Weird Tales y el pulp de fantasía y terror" de Javier Jiménez Barco
En el campo de las pegas debe anotarse que las ilustraciones no vienen acompañadas por pies, lo que dificulta su identificación. En los textos también se aprecia que estamos ante un trabajo “de aficionados”. Abundan las erratas tontas que una corrección algo más profesional podía haber evitado.

Si no lo he entendido mal el libro surge de una revista, Barsoon, y no hace sino recopilar y engordar artículos previos sobre la mítica Weird Tales, que quedan así agrupados formando un conjunto coherente. Benditos sean estos errores si nos permiten disfrutar de un trabajo que difícilmente habría pasado los filtros de una editorial “normal”.

Mención aparte para Barsoon, título que hace referencia a otro de los reyes de la fantasía, E. R. Burroughs, tipo al que normalmente asociamos con Tarzán y poco más. En realidad es uno de los grandes padres de la moderna ciencia-ficción y un competidor serio para todos los que a principios de siglo querían escribir relatos de aventuras y fantasía. Una lástima que la espléndida biografía de Lupoff (Master of Adventure. The Worlds of Edgar Rice Burroughs) siga inédita por aquí. A ver si alguien se anima a traducirla porque es un trabajo excelente.

"Weird Tales y el pulp de fantasía y terror" de Javier Jiménez Barco
Como la obra que nos ocupa. Jiménez Barco no presta solo atención a Weird Tales, también a su contexto y su competencia y pega un buen repaso a todas las revistas que publicaban relatos de género similares y las razones de sus éxitos y fracasos. Mezcla muy bien la pura crítica literaria, comentando las historias que iban apareciendo en Weird Tales, con los incidentes de corte económico o social. Nos habla de los diversos editores y sus dificultades económicas y de las estrategias para mantenerse un mes más en los quioscos. De su forma de seleccionar las historias y de su relación con los autores, de los bailes de géneros y de la construcción de esos arquetipos que hoy en día asociamos con Lovecratf (el horror cósmico) y Howard respectivamente (la espada y brujería). Comprobamos que no estaban tan alejados de ciertos cuentos de miedo tradicionales o de otros géneros como la aventura histórica, el policiaco o el western.

Se nos descubren autores y autoras, en algunos casos con comentarios de una sutileza que no evita la firmeza de lo dicho. Como cuando menciona la tan comentada muerte de Howard tras el fallecimiento de su madre. Frente a los delirios edípicos a los que se han entregado otros críticos, el autor corta por lo sano y recuerda los esfuerzos que Howard dedicó al cuidado de su madre y los años terribles que pasó a su lado. Esfuerzos que al final resultaron baldíos y propiciaron su suicidio. Sin rollos.

Se nos ofrecen infinidad de detalles sobre algo que fue mucho más que una revista, fue el espacio en el que se permitió a un brillante puñado de jóvenes crear nuevas realidades, algunas eran terribles y otras fascinantes, todas ellas atraparon nuestra imaginación y la de posteriores escritores y dibujantes que a día de hoy siguen soñando con los monstruos y las geografías que ellos vislumbraron. La verdad, uno acaba este volumen con ganas de saber más, de leer más, algo no tan habitual. No se lo pierdan, lo disfrutarán.

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viernes, 15 de septiembre de 2017

DJINN 13. KIM NELSON de DUFAUX y MIRALLES

Djinn 13, Kim Nelson de Dufaux y Miralles; edita Norma Editorial
Norma editorial. Barcelona, 2017.
54 páginas, 12 euros.

LA PERLA NEGRA
Trece años han necesitado Ana Miralles y Jean Dufaux hasta concluir la saga Djinn, a razón de tomo por año. El éxito artístico de la dibujante es innegable. Lo del guión es algo más difícil de explicar.


Vaya por delante que la razón para seguir esta serie es el trabajo de la española. Aunque Djinn supuso su salto a una carrera internacional, al emparejarse con un guionista del prestigio de Dufaux, la sensación al final es que ha hecho un largo camino para acabar en el mismo sitio.

Las aventuras erótico-políticas de su Jade y compañía no están tan lejos del sicalíptico tebeo que firmó con su marido Emilio Ruiz en el lejano año 1990. Primero en versión original, en riguroso blanco y negro y más tarde a todo color, El brillo de una mirada descubría a una autora poderosa que no temía dibujar chicas guapas en situaciones excitantes. La cosa se puso más seria con Eva Medusa, dos álbumes escritos por el gran Antonio Segura que acabaron de ponerla en el mapa. Firmaron un tercero que yo prefiero olvidar. Trataba sobre una mujer-diosa, una chica perseguida por una maldición, una devoradora de hombres al tiempo que desdichada e inocente muchachita. Miralles y Segura transitaban con seguridad algunos arquetipos que flotan por nuestra psique colectiva, especialmente los que se refieren a esas edades inciertas en las que el sexo resulta tan atractivo como misterioso y terrible.


Ana Miralles sur la couverture Djinn 12 from Emilio Ruiz Zavala on Vimeo.

Medusa fue un trabajo brillante que le permitió saltar al mercado franco-belga. Ahí lleva instalada más de una década, con tiradas de miles de ejemplares, ediciones especiales y todas esas ventajas que otorga trabajar con las grandes compañías en productos que se comercializan bien.

Con el tiempo el arte de Ana ha madurado y mejorado y está ahora a la altura de los mejores dibujantes del mundo. Nada se le resiste. Sus personajes tienen fuerza y expresividad, actúan bien y son elegantes y atractivos, ellos y ellas. Sus fondos son precisos y se ajustan a la narración. Puede detallar ciudades o junglas pero solo si el relato así lo precisa. Su color es sensacional, un aspecto muy importante en una trama como la de Djinn, donde las sensaciones son cruciales. En muchos casos el lector participa de lo narrado gracias a la sabiduría cromática desplegada por Ana. Es una virtuosa del color y da gusto apreciar las texturas que consigue con sus acuarelas en estos tiempos de frialdad digital. El erotismo en sus manos es siempre elegante, sofisticado. El mínimo gesto, como esa viñeta en la que Kim se desprende de su ropa interior, está resuelto con una sutileza encantadora. Y por supuesta su presencia asegura que ninguna de las féminas de sus historias haga el canelo. Miralles es una profesional, compitiendo en un nivel muy alto, no está para tonterías. No necesita reivindicar nada, su trabajo y sus personajes lo hacen por ella.

Djinn 13, Kim Nelson de Dufaux y Miralles; edita Norma Editorial Viñeta
Lo de Dufaux es algo más complicado. Su carrera para mí es un misterio. Aquí lo conocimos con Jessica Blandy, donde otra mujer era la protagonista. Era una serie negra en la que podía pasar casi de todo y la heroína era sometida a unas experiencias muy poco habituales en el tebeo europeo. Los guiones eran convincentes, duros e innovadores. Pero luego Dufaux fue difuminándose y convirtiéndose en otro. En mi opinión, más similar a Cothias, ambos circulaban por lo que podría denominarse “la senda de la crueldad”.

Como es sabido en la última mitad del siglo XX los comics franco belgas abandonaron progresivamente la orientación judeocristiana y bienintencionada que había sido tradicional hasta entonces. La nueva generación de autores deseaba reflejar los cambios que se estaban produciendo en la sociedad. Así que muchos guionistas se pusieron a contar historias en las que la idea convencional del bien y del mal quedaba desenfocada, si no refutada completamente. La violencia, la ambición y otras pasiones se adueñaban de unos protagonistas que así se sentían más humanos. Hubo por supuesto otras voces y otras plumas, como Van Hamme que demostró en Thorgal y otras series que el héroe clásico seguía siendo apreciado por las masas. Pero había un mercado para esas historias sin barreras morales y Dufaux parecía sentirse a gusto ahí.

Djinn 13, Kim Nelson de Dufaux y Miralles; edita Norma Editorial comic
El gran problema con este tipo de relato es que se pierde el conflicto. Si el malo y el bueno desean lo mismo y se comportan de la misma sanguinaria manera ¿cuál es la diferencia? En muchos casos resulta demasiado sutil para apreciarla. Y eso pasa en Djinn constantemente. Con todo, no dudo que Dufaux intenta construir un artefacto complejo, empezando por la estructura temporal. Como se sabe, la saga trabaja en dos tiempos, uno pasado donde habita Jade y otro presente, protagonizado por Kim, su ¿nieta? Mientras la descendiente iba descubriendo aspectos de la vida de su extraña abuela, se nos contaban las andanzas pasadas de ese ser mitad mujer, mitad diosa. No solo eso, la saga se dividió en tres ciclos: el primero en Turquía, el segundo en África y el tercero en la India. Pero resulta que los sucesos indios son anteriores a los de África. De manera que mientras leíamos el ciclo africano se adelantaban aspectos que luego descubrimos en los volúmenes indios. Al final se dan muchas explicaciones pero lo cierto es que la estructura temporal acababa siendo un poco mareante.

Dufaux y Miralles han decidido interrumpir su colaboración, aunque las últimas páginas parecen anunciar una posible continuación, quizás con otro tono. Ahora ha llegado el momento de releer toda la historia con calma y considerar si, más allá de los sugerentes dibujos, hay una verdadera reflexión sobre los juegos de poder y placer o la cosa se acerca más a la tomadura de pelo.


Djinn T12 - Un Honneur Retrouvé - Pl 37 from Emilio Ruiz Zavala on Vimeo.
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viernes, 8 de septiembre de 2017

MARXISMO EN COMIC

EL IMPERIO DEL MAL


Los ensayos desarrollados en formato de comic funcionan sorprendentemente bien. Todos recordamos con cariño la serie “Para principiantes”, en la que apareció el Kafka de Crumb. Ahora, empleando aquella misma fórmula, se nos explica en qué consiste el Marxismo.


Marxismo una guía ilustrada de Woodfin y Zarate - comic marxismo comunismo edita Tecnos
Rupert Woodfin y Oscar Zarate
Marxismo, una guía ilustrada.
Tecnos, 2017.
192 páginas, 12 euros.

La serie “For Beginners”, ahora transformada en “Introducing” mantiene su voluntad de abordar asuntos complejos ilustrándolos con imágenes sencillas y habitualmente repetitivas. Los resultados, desde un punto de vista pedagógico, son excelentes.

Gracias a esta serie he podido asomarme al campo de la cuántica o a las teorías de Marcuse o Lacan. Los dibujantes eran de una calidad variable y ninguno se acercó al nivel alcanzado por Crumb. Pero la media era correcta y todos se esforzaban por ayudar a la narración, lo cual es de agradecer. Otra cuestión muy diferente eran los textos. Había ensayos realmente críticos y nada complacientes, al lado de hagiografías empeñadas en ocultar la sangrienta verdad.

Marxismo. Una guía ilustrada dedica una buena parte de sus páginas a la obra de Marx, como era de esperar. He estado a punto de entender todo eso de la mercancía y la plusvalía. A los seguidores del alemán les resultará especialmente gratificante esa enumeración de puntos de El manifiesto Comunista con la que comienza el libro:
“1. La abolición de la propiedad de la tierra y la aplicación de todas las rentas sobre ella a proyectos de carácter público.
2. Unos impuestos sobre la renta fuertes y progresivos o graduales.
3. La abolición de los derechos sobre la herencia”. Etc.
En estos días en que las abuelas salen a la calle para protestar contra el impuesto de transmisiones, provoca un escalofrío comprobar cómo han calado las intenciones de Marx en el ánimo de nuestros gobernantes.

"Marxismo una guía ilustrada" de Woodfin y Zarate, edita Tecnos
Se cita una vez Sobre la cuestión judía y luego se pasa a hablar de Lenin y sus mariachis. Se establece una adecuada comparación entre Stalin y Hitler, dos enfermos que se admiraban mutuamente. Y se desmonta el mito del revolucionario bueno y el malo. Con sus matices, Stalin no fue un error del sistema sino la continuación lógica de la línea política marcada por Lenin. Las siguientes encarnaciones del marxismo no fueron mejores: Mao, Fidel, Ho Chi Minh… Marxismo y democracia han demostrado su incompatibilidad a lo largo de los años.

Gramsci señala el paso de un supuesto cientificismo concentrado en la economía a un marxismo pendiente de lo ideológico. Si las masas están alienadas y no se dedican a acabar con el capitalismo, es porque han sido manipuladas desde el orden familiar-cultural. Así que el cambio debe producirse en ese nivel super-estructural.

El libro repasa con detenimiento las últimas revisiones del marxismo, incluyendo a Derrida, con sus Espectros de Marx. Se nos da a entender que Derrida de alguna manera justificaría los errores marxistas, pero mi asesor personal en filosofía me asegura que eso no es del todo así. El libro funciona al no evitarse ningún dato incómodo y ofrecer un panorama completo del marxismo, con sus profecías y fracasos. Me fascina la contra-lista que incluye al final, en la que contesta al programa del Manifiesto Comunista. No me resisto a incluir aquí algunas de esas conclusiones posmodernas: “El estado como tal es siempre peligroso y no puede proveer bienestar social efectivo; esto tan solo puede hacerse por la sociedad civil. Cualquier forma de planificación central es ineficiente y tiende a la corrupción; los mercados son el único mecanismo que permite una distribución justa. La aproximación de la vieja izquierda a la política siempre termina en regímenes autoritarios que aplastan a la sociedad civil”. Etc.


Viuda Negra la más buscada de SHIELD, de Waid, Samnee y Wilson
Waid, Samnee y Wilson
Viuda Negra
Panini Comics, 2017.
136 páginas, 15 euros.

Si después de este repaso a los dogmas marxistas se quedan con ganas de más, mi consejo es que se sumerjan en la lectura de Viuda Negra, el último tebeo de Chris Samnee. Mark Waid escribe un guión en el que se revisan los orígenes soviéticos del famoso personaje ahora encarnado por la Johansson en la pantalla grande.

Se describe adecuadamente la crueldad del espionaje comunista en tiempos de la Guerra fría y ese oscuro pasado de la Viuda sirve como excusa para una trepidante aventura en el presente.

En realidad el guión del no-muy-interesante Waid apenas tiene importancia en una función dominada por el arrollador talento de Samnee, el dibujante más “hot” del momento. Apenas le seguí en Daredevil porque no acaba de emparejarse con un escritor que lo lleve al siguiente nivel. Pero ya está maduro para los grandes. Ennis, Millar, Kirkman, por favor, escribid algo para Samnee.

Necesitamos que su fenomenal trabajo haga brillar algún texto realmente interesante. No se lo pierdan, es buenísimo, de dibujo sintético en la línea de Mazzuchelli, Parlov y pocos más.
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jueves, 31 de agosto de 2017

LE GRAND BUSCEMA

Big John Buscena edición francesa

Nuestro catálogo sobre John Buscema ya habla francés. A la edición original de 2009, con motivo de la exposición en el Palau Solleric de Palma, le siguió la versión americana de IDW en 2012. Ahora lo acaba de publicar Urban Books en Francia. 


Mientras, IDW ha mostrado su interés en editar en los USA otro de nuestros catálogos. En cuanto a nuestra segunda nominación a los Eisner (con Ditko Unleashed), al final no pudo ser.

El libro dedicado a Herriman se hizo con el galardón. Felicitaciones a su autor, Michael Tisserand. Nosotros ya estamos pensando en el próximo proyecto, cuyas claves todavía no podemos desvelar.


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viernes, 28 de julio de 2017

WILL EISNER, MAESTRO DE LA NOVELA GRÁFICA de P. LEVITZ

Will Eisner maestro de la novela gráfica por Paul Levitz edita Norma comics
Norma editorial, 2017.
224 páginas, 45 euros.

TENEMOS UN CONTRATO


La conmemoración del nacimiento de Eisner sigue deparándonos agradables sorpresas. Paul Levitz, guionista y editor en DC, firma la mejor biografía del maestro hasta la fecha.


Después de comentar la exposición y el catálogo que se publicó con motivo del centenario del nacimiento de Eisner, pensaba que todo lo que tenía que decir sobre él se había acabado, al menos por este año. Pero el estupendo trabajo de Levitz me obliga a reincidir. No estamos ante otro artículo de compromiso sobre el padre de la novela gráfica. La aproximación de Levitz es apasionante y novedosa y todos los seguidores de Eisner la disfrutarán. Para empezar el envoltorio, una edición con lomo entelado y un formato que permite paladear como toca la frescura de los originales del maestro. En muchos casos además mostrando esas etapas consideradas comerciales y que apenas se habían vuelto a reproducir.

Si la presentación es excelente la chicha del libro se encuentra realmente en el texto de Levitz. Se nota que adora el trabajo de Eisner pero eso no le aleja en ningún momento de lo que debe guiar una investigación de estas características: la búsqueda de la verdad. Algunas verdades son incómodas. Como la de la “escena del juicio”. Los lectores de Eisner saben a qué me refiero. En El soñador, el álbum donde cuenta sus inicios en el medio, el artista explicaba cómo un editor sin escrúpulos le había encargado una copia de Superman. Cuando fueron denunciados y llevados a juicio el testimonio del dibujante resultó crucial. Si admitía que el editor le había presionado para que copiara el superhéroe original, perdería un jugoso contrato. Eisner se autorretrataba como alguien incapaz de mentir, delatando al editor y perdiendo todo el dinero que aquel le debía. Levitz acude a las actas originales del juicio y lo que nos revelan es justo lo contrario. El autor apoyó a su editor pero pese a ello perdieron el litigio. El biógrafo se apresura a resaltar las bondades de Eisner y se asegura de presentar el episodio como lo que es: un hecho aislado en una vida en la que primó la honestidad profesional y una inflexible ética laboral.


Will Eisner maestro de la novela gráfica por Paul Levitz edita Norma
Levitz se ajusta a la tesis que yo he sostenido en el pasado. Que no se puede separar al Eisner creador del empresario, que uno no se entiende sin el otro. Son constantes las anécdotas que demuestran que para el dibujante la búsqueda de un reconocimiento artístico (para él y para el medio que amaba) iba de la mano del reconocimiento económico, del trato más justo posible.

El libro también explora la zona más ingrata de la vida del artista: la muerte por leucemia de su hija adolescente. Si ese pasaje empieza a ser conocido y es considerado por todos como el origen emocional de Contrato con Dios, cuyo pasaje central se dedica a un padre que viene de enterrar a su hija, menos comentadas han sido las ramificaciones y consecuencias de tan trágico hecho. Sobre todo en el otro hijo de Eisner, que quedó muy afectado psicológicamente por el fallecimiento de su hermana.

Obviamente, además de esos dramas familiares y casi privados Levitz aborda otros muchos aspectos jugosos. No menor es su disertación sobre los orígenes de la novela gráfica. Cita todos los precedentes, discute quien inventa el término y concluye con una afirmación contundente. La relevancia del papel de Eisner en todo ese asunto no debe medirse solo en términos de quién fue el primero. Hubo otros intentos antes, por supuesto. Pero Eisner, aunque Contrato con Dios no fue un gran éxito de ventas, siguió dibujando en el mismo formato: Vida en otro planeta, La Avenida Dropsie y tantas otras. Y al final triunfó. Fue su persistencia la que afianzó el fenómeno. Y eso nadie se lo puede discutir.

Un libro imprescindible para los admiradores de Eisner, entre quienes me cuento.



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viernes, 14 de julio de 2017

WONDER WOMAN: RENACIMIENTO

Greg Rucka, Liam Sharp, Nicola Scott y otros.
ECC, 2017
96 páginas, 8,50 euros.


NOSOTRAS
El estreno de la película dedicada a Wonder Woman ha propiciado la aparición de innumerables volúmenes dedicados al personaje. Es una ocasión tan buena como cualquier otra para tomarle el pulso a la que ha sido calificada de “primera super-heroína feminista”.


No puedo presumir de haber leído todas las aventuras de la guerrera del lazo dorado. Me fascinó la versión de George Pérez de finales de los ochenta pero desde entonces apenas le había vuelto a poner el ojo encima. Cuando Chiang la dibujó atrajo mi atención, pero lamentablemente los guiones del sobrevalorado Azzarello enseguida me hicieron desertar.

He vuelto a intentarlo con Rucka, que escribió la serie regular hasta hace pocos meses. Entre paréntesis es importante destacar la labor de ECC con los recopilatorios de personajes DC. Interesen o no los autores que publican, su tarea de recuperación es muy importante y desde aquí la aplaudo. Pero como ya hemos comentado con anterioridad, las verdaderas obras maestras no abundan, tampoco en el caso de Wonder Woman.
Rucka se hizo cargo de ella hace más de una década, incidiendo en algunas de las reivindicaciones feministas exploradas por creadores anteriores. Pero lo que cuenta no es interesante y además lo emparejaron con dibujantes sin garra. En ese sentido, cuando un grafista con más ganas como Sadowsky dibujó uno de los episodios, el del interrogatorio de “la mala”, la serie mejoró mucho. Pero el tono general era muy anodino.

El cambio más notable respecto a la etapa que en la actualidad se publica en nuestro país está precisamente en los dibujantes, un grupo encabezado por el barroco Liam Sharp que exhibe unas destrezas que yo no había percibido antes. Su denso entintado recuerda en ocasiones a Solano López, sus personajes tienen fuerza y personalidad y todo en su arte muestra al mismo tiempo un insospechado vigor y una sorprendente delicadeza, una peculiar combinación que por supuesto casa muy bien con Wonder Woman. Sumen a ello un realmente bonito y atmosférico color de Laura Martín. Sharp no está solo en esta función. Entre el plantel de dibujantes que le acompañan encargándose de otros episodios destaca Nicola Scott. Su aproximación es algo más cartoon pero este tío sabe dibujar y su entintado está lleno de sutileza. Tanto él como Sharp se aseguran de que la protagonista luzca siempre encantadora y super-atractiva. ¿El guión de Rucka? No le he leído nada tan bueno como el trabajo con el que entró en la industria, aquel gélido y sugerente Whiteout. Pero seguiremos probando a ver hacia dónde quiere ir, mientras siga en compañía de dibujantes tan capacitados.

Respecto a la peli, confieso que me entran sudores fríos ante cada nueva adaptación cinematográfica. Pienso ¿es posible que a mi me gusten estas estupideces? Al traducir o reinterpretar los mundos de fantasía de las viñetas en un entorno realista, los resultados son a menudo chirriantes, todo queda reducido a lugares comunes, polvo y ruido.
En ocasiones asistimos a momentos excepcionales, como la batalla en el aeropuerto en Captain America: Civil War, o algunas de las secuencias con hormigas de Ant-Man. Momentos en que sentimos que el director ha capturado la magia que nos fascinó en aquella primera lectura. Pero ya digo, son breves destellos entre un arsenal de efectos que nos arrancan de la butaca.
Wonder Woman tiene algo de lo uno y de lo otro. Toda la batalla final con Ares es deprimente y anticlimática, la seriedad de Robin Wright resulta impostada y colabora a que la isla de las amazonas parezca una peli de romanos pero de las que se hacían en Italia, las malas. Sin embargo, Chris Pine, al que supongo que habrán visto en su vídeo sobre “los cuatro Chris”, defiende con talento un papel muy complicado, el del querido de la diosa, y está en todas las escenas más emocionantes del film.



Y por supuesto hay que hablar de Gal Gadot. La actriz de origen israelí resulta muy verosímil en todas las escenas de acción, escenas que, a pesar del toque Snyder, que anda por ahí en la producción de la película, no son del todo insufribles. Es una auténtica diosa y exuda confianza a cada paso que da. Pero además comparte una característica con el mejor Superman que ha habido, el pobre Christopher Reeves. Ambos no solo son guapos a rabiar, sino que además transmiten muy bien una cierta inocencia, consustancial a los personajes que representan. Ella me ha recordado a las amazonas que incluía Crumb en sus historietas sobre feministas. ¿Saben a qué me refiero? Con revolucionarias como esta dan ganas de apuntarse a lo que sea. Yo también creo en el amor. En serio.


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viernes, 7 de julio de 2017

AMERICAN JESUS de MILLAR Y GROSS

AMERICAN JESUS" de Mark Milar y Peter Gross. Edita Panini Comics religión
Panini Comics, 2017
96 páginas, 15 euros

DIME QUÉ DESEAS


Si se les escapó la primera aparición de esta serie, este bonito recopilatorio es una buena oportunidad para disfrutar con otro guión nada desdeñable de Mark Millar.


El propio autor describe en la entrevista que se incluye en el volumen qué le llevó a realizar esta obra. Millar: “La verdad es que no tengo más que buenos recuerdos de mi infancia como católico, y quería hacer un cómic sobre la fe que no tratara sobre sacerdotes que abusan de niños o de todas esas mierdas que se leen cuando los liberales escriben sobre la iglesia”. Dice más cosas, que pueden leer si así lo desean.

Antes de seguir permítanme que les recomiende Spotlight, la peli sobre curas pederastas en Boston que se estrenó el año pasado. Encuentra un afortunado equilibrio entre la denuncia de un asunto realmente horrible y que la institución eclesiástica manejó de forma desastrosa, por un lado, y el problema de la religión y la fe, por el otro. Una cinta que yo considero impensable en nuestro país, nadie aquí habría sido capaz de filmar algo tan rotundo y al mismo tiempo tan sutil y delicado. Creo que lo que Millar quiere decir es que él tiene una determinada experiencia de la fe que no ve reflejada en ninguna obra contemporánea. No que niegue unos abusos a menores que sin duda se han producido. Sí afirma que esa no es la única visión posible del catolicismo, algo en lo que estoy de acuerdo.

El guionista ha firmado no pocos relatos que han sido trasladados con éxito a la pantalla. Su Kingsman se transformó en una película tremendamente divertida y su Civil War ha tenido una traducción cinematográfica bastante aceptable. Lo peor de Kick Ass son los pasajes en que se alejaron de su historia original. En fin, Millar es un guionista de éxito y, además, de origen católico. Pero esos orígenes, como en el caso del irlandés Garth Ennis, no le impiden cargar sus relatos con abundantes dosis de irreverencia y sarcasmo. Como en el caso que nos ocupa.

AMERICAN JESUS" de Mark Milar y Peter Gross. Edita Panini Comics curas Dios
A Jodie, el protagonista, se le cae un camión encima y sobrevive. A partir de esa terrible experiencia llega a la conclusión de que es el elegido, un nuevo hijo de dios que ha venido a liberarnos del pecado. Descubre que puede realizar milagros y comienza a tener seguidores, que le adoran a la espera de un apocalipsis que parece inminente. Millar se asegura de que algunas piezas chirríen, como los padres de ese Cristo americano, una extraña pareja que parece odiarse. O el cura del pueblo, un desgraciado al que un cúmulo de sinsabores ha dejado sin fe. Así que mientras el resto del pueblo no duda en calificar a Jodie como su nuevo dios, el capellán no consigue creerse ninguno de sus trucos. De forma muy inteligente Millar juega con su puesta en escena para llevarnos a la pregunta que le interesa: ¿realmente existe Dios? Y, si así fuera, ¿por qué permanece en silencio?, ¿por qué permite el triunfo del mal?

Toda la serie está cargada de buenas ideas. Como la cita al Retorno del Jedi, cuya importancia en el conjunto de la narración entendemos al final. O la escena del perro, en la que todos los elementos se conjugan para demostrar el poder de Jodie. No quiero desvelarles la sorprendente conclusión pero deben saber que supone una buena vuelta de tuerca a todo lo leído, un giro que nos hace revisar las hazañas del protagonista aportándoles otro sentido.

Peter Gross acompaña con su correcto dibujo a Millar en un comic donde las conversaciones y las expresiones de los personajes son fundamentales. Y ahí no falla. Su estructura de página es variada y agradable y, sin ser un extraordinario dibujante, creo que satisface con creces los requerimientos necesarios para contar una historia como esta.

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viernes, 30 de junio de 2017

COMICS PARA APRENDER Y DISFRUTAR

Desde que a mediados del pasado siglo Eisner pusiera los cimientos del comic entendido como herramienta pedagógica, han sido numerosos los autores que han transitado esa senda. Ahora nos llegan dos nuevos ejemplos.

El teatro del cuerpo humano de Maris Wicks, edita Norma
Maris Wicks
El teatro del cuerpo humano
Norma Editorial, 2017
234 páginas, 25 euros

Maris Wicks emplea a un esqueleto como presentador de su trabajo, un recorrido por las maravillas del cuerpo humano, del sistema óseo al nervioso, pasando por el respiratorio o el digestivo, entre otros. A pesar de su aspecto luminoso e infantil, el texto no pierde el necesario rigor científico y los diferentes apartados son abordados con detalle y también humor. En este género es muy importante encontrar un equilibrio entre textos e imágenes. Si no, es preferible usar solo ilustraciones. Wicks es muy consciente de ello y recurre a la eliminación de viñetas cuando no puede dramatizar lo que cuenta. Pero más allá de algunas splash básicamente descriptivas, casi todo se explica con pequeñas secuencias de tono divertido y ligero, que nos permiten descubrir, casi sin darnos cuenta, muchas cosas sobre nuestro sofisticado interior.

Un libro muy recomendable para leer en familia, perfecto para ser comentado por padres e hijos, que permite un primer acercamiento a asuntos complejos. Como ejemplo basta recordar el apartado dedicado a las bacterias, presentadas como “las coristas infecciosas”. Después de que esas chicas ligeras hayan descrito su comportamiento, se nos explica que no son tan malas como los virus, unos tipejos realmente desagradables.

Historias breves de objetos cotidianos de Andy Warner, Ediciones B comic
Andy Warner
Historias breves de objetos cotidianos
Ediciones B, 2017
222 páginas, 16 euros

Andy Warner  también emplea el humor en su libro de divulgación sobre algunos de los objetos que nos rodean haciéndonos la vida más fácil. En su caso prescinde del color, una herramienta que suaviza y aporta un tono más humorístico al libro sobre el cuerpo humano. Aquí es sustituido por grises que enfatizan el carácter periodístico de estos breves relatos históricos.

Por muy sorprendente y exagerado que nos parezca, todo lo que se nos cuenta es real. Warner divide su trabajo en ámbitos: el cuarto de baño, el salón, la oficina, la cafetería… Y luego, en esos espacios tanto públicos como privados, centra su atención en algunos de los elementos que los caracterizan. Ya sean juguetes, electrodomésticos o comida, el autor se asegura de que la anécdota que se esconde detrás de un simple lápiz sea jugosa y nos sorprenda.

No considero que sea un volumen para leer de un tirón, la cantidad de información que contiene es grande y puede acabar resultando abrumadora. Pero en pequeñas dosis es muy interesante y revelador. Por ejemplo llama la atención la presencia de un nutrido grupo de emprendedoras, mujeres con una idea y la capacidad de llevarla a cabo que en muchos casos se vieron frenadas por la incompetencia masculina y unas costumbres que no permitían prosperar ninguna iniciativa femenina. La moraleja es la facilidad con la que esas barreras y cortapisas fueron aplastadas por la voluntad de auténticas amazonas empresariales.

Historias breves de objetos cotidianos de Andy Warner,
Hay episodios realmente tronchantes, como el de la invención del edulcorante, con una serie de químicos probando combinaciones de sustancias de manera completamente alocada y que tiene una frase final muy lograda: “¡La química es deliciosa!”. El volumen se completa con algunos micropasajes en los que se aportan datos en una sola viñeta. Sobre todo tiene el valor de recordarnos el ingenio y el esfuerzo que encontramos tras objetos cotidianos, en algunos casos tan minúsculos como un clip.

En los márgenes de los capítulos aparecen con frecuencia los inversores y otras figuras no creativas, que suelen aprovecharse de los desvelos de los nobles inventores. También se reflexiona sobre los recorridos comerciales de algunos productos, como el Slinky, el muelle que baja solo las escaleras, que primero no se vendía nada y luego se convirtió en un éxito. En fin, si su hijo se ha vuelto loco y no quiere ser líder sindical de mayor sino empresario, este es el libro que debería comprarle. Ese pequeño bastardo se lo agradecerá.
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viernes, 23 de junio de 2017

PRÍNCIPE VALIENTE de SCHULTZ, GIANNI Y YEATES

Príncipe Valiente de Hal Foster - Schultz, Gianni, Yeates edita Dolmen
Dolmen editorial, 2017
72 páginas, 14 euros

DAMAS Y CABALLEROS... ANDANTES


El 13 de febrero de 1937 se publicó la primera plancha del Príncipe Valiente. Ochenta años después sigue en plena forma.


El personaje ha contado con múltiples ediciones en español, la última y más completa corrió a cargo de Planeta y se detuvo en 2011. Comprendía el material realizado por el creador de la saga, Hal Foster, el de su primer continuador, Cullen Murphy, y el de sus sucesores, Mark Schultz (como guionista) y Gary Gianni (como dibujante-ilustrador).

Es imposible igualar la calidad del original, ya que Foster era un genio tanto en los aspectos argumentales como plásticos, así que quienes han osado sustituirle han soportado comparaciones tan injustas como inadecuadas. Cullen Murphy, grande en Big Ben Bolt, parecía descuidado aquí, ya que tenemos en mente la precisión impecable de Foster. Pero Murphy hizo lo que debía: permanecer fiel a su estilo. Lo mismo Gianni y ahora Yeates.

Lo que ahora nos llega de la mano de la editorial mallorquina Dolmen es la continuación de la serie allá donde Planeta la dejó, el año 2012. Año en que se produce la sustitución del primer colaborador de Schultz por el segundo, cuyas planchas ya podemos disfrutar en esta primera entrega. Antes de nada, felicitar a la editorial por su política de recuperación de clásicos, primero europeos y ahora americanos, rescatando tebeos imprescindibles como Johnny Hazard o Flash Gordon. Personaje este último que por cierto aparece como comparsa en este volumen de Valiente. Schultz se inventa un improbable crossover entre héroes clásicos y juega a provocar celos a Val con la presencia del apuesto Gordon.

Príncipe Valiente de Hal Foster - Schultz, Gianni, Yeates edita Dolmen
Los guiones mantienen su calidad y se aprecia una voluntad clara de desprenderse de los aspectos más desfasados, insistiendo en las desigualdades sociales que caracterizaban la Edad Media o el papel de la mujer. Ambos elementos habían sido apuntados en el original de Foster, pero con una estilización extrema. En todo caso Aleta sigue siendo uno de los personajes femeninos más fascinantes de la historia del comic. Basta compararla con cualquiera de las bobas comparsas que languidecían por Flash Gordon, o recordar algunas de sus aventuras, como la de su rapto por el que luego se convertiría en su marido, que se menciona en este volumen, o cuando era secuestrada por el arrogante príncipe vikingo que se la llevaba hasta una América llena de peligros. En ambos casos la supuesta damisela en apuros se transformaba en una mujer de armas tomar y acababa resolviendo las situaciones más peliagudas.

Se va Gianni, que tiene una personalidad como ilustrador muy atractiva, pero al que le faltaba la voluntad narrativa y el derroche de negros que exhibe Tom Yeates, su sucesor. Es un dibujante de estilo clásico, pero que no resulta envarado en absoluto, como ya demostró en su dinámico Zorro. Creo que ahora mismo solo Mark Schultz, a cargo de los guiones, podría superarlo como dibujante para el Príncipe Valiente. Yeates es perfecto y marca una diferencia muy grande. Hasta la escritura parece celebrar el cambio, volviéndose más ligera y acentuando los aromas de aventura clásica, no solo por las referencias a Robin Hood, también enfatizando las notas humorísticas que provoca el pícaro carácter de Gawain.
Ha sido un gran comienzo para una saga que deseamos nos acompañe muchos años más.

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viernes, 16 de junio de 2017

NUEVA OLA DE LA BD

Poco a poco todo un batallón de dibujantes francesas viene a sustituir a las clásicas Goetzinger o Bretecher. Perfectamente integradas en un mercado que espera con impaciencia nuevos productos facturados por mujeres, sin prisa pero sin pausa cada día aumenta la lista de autoras a tener en cuenta.


Tras la adaptación cinematográfica de su Rosalie Blum, Camille Jourdy es probablemente la más popular en la actualidad. Se lo merece, su labor es original y sofisticado, tiene cosas que contar sobre gente aparentemente vulgar y su dibujo es tan especial como delicado.

La levedad de Catherine Meurisse, edita Impedimenta comic BD mujeres
La levedad de Meurisse 
Impedimenta, 2017
136 páginas, 24,95 euros
Poco a poco descubrimos a Catherine Meurisse. Primero con su enciclopedia sobre literatura francesa y ahora con el volumen que facturó tras la matanza en Charlie Hebdó.

La levedad tiene mucho de manual de autoayuda y se agradece que no dé la chapa con definiciones del humor ni pierda el tiempo intentando comprender a los asesinos. Toda la primera parte describe muy bien el miedo y la angustia de los primeros días. Salvó la vida porque llegó tarde a la reunión de la revista, según explica debido a un desengaño amoroso. A partir de ese absurdo la autora busca razones para seguir tirando y finalmente las encuentra en un revelador viaje a Italia. Para mi gusto lo mejor llega al final, cuando redescubre la belleza en sus paseos romanos y reflexiona sobre el valor del arte en nuestras vidas. Un trabajo conmovedor y necesario.


Valerosas de Penelope Bagieu, edita Dibbuks - comic mujeres biografia
Valerosas de P. Bagieu
Dib•Buks, 2017.
144 páginas, 18 euros

Dejo para el final a Pénélope Bagieu, de quien se acaba de traducir Valerosas 1. El volumen agrupa pequeñas biografías, de cuatro a siete páginas cada una, de señoras ilustres.
Lo que llama la atención es que, salvo excepciones, no se fija en grandes celebridades sino en figuras aparentemente más modestas, pero que se crecen Tove Jansson y de la bailarina Josephine Baker, de una transexual y de jefas de estado y emperatrices, todo con un tono desenfadado y trepidante, todo interesante y ameno, aunque no se evitan aspectos tan desagradables y comunes como la violencia de género.
Pero no es en las zonas oscuras donde se pone el énfasis sino que Bagieu adopta una actitud general tremendamente positiva y contagiosa. Dirige un mensaje de aliento para las mujeres, que se muestran en sus páginas capaces de enfrentarse a cualquier reto. Y además al acabar la lectura uno se queda como con ganas de mejorar el mundo y con la idea en la cabeza de que tal cosa es posible, que no es tan complicado como suponíamos. Al menos así lo demostraron muchas de esas valerosas féminas. Si los argumentos se despliegan con arrolladora amenidad ese entusiasmo se traslada al brillante dibujo. Pueden encontrarse ecos de Rius, Blechman y otros dibujantes de humor, pero la autora recorre una senda personal y fresca, su trazo es fuerte y seguro y basta echarle un vistazo para percibir su talento de inmediato. No es su primera obra traducida al español y lo cierto es que hasta ahora me había pasado desapercibida. Intentaré corregir mi error. Mientras, no duden en adquirir este excelente trabajo que hace honor a su subtítulo: “Mujeres que solo hacen lo que ellas quieren”. Es una obra encantadora que emociona de forma inteligente y sensible.
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viernes, 9 de junio de 2017

LA BALADA DEL NORTE. TOMO 2 de A. ZAPICO

La balada del norte. Tomo 2. de Alfonso Zapico, edita Astiberri
Astiberri, 2017.
252 páginas, 18 euros

SEGUNDO ACTO
Finalmente la aproximación de Alfonso Zapico a la revolución del 34 constará de tres volúmenes. Ahora se acaba de presentar el segundo y no peco de exagerado si afirmo que es uno de los grandes tebeos del año.


Ya era excelente el primer tomo y la segunda entrega no hace sino confirmar la calidad de este creador. Aborda un tema no muy tratado en la cada vez más extensa comicgrafía sobre la Guerra Civil, como son esos levantamientos previos, en Asturias y Barcelona sobre todo, que antecedieron al golpe que finalmente triunfó.

Esas intentonas del 34 normalmente son presentadas bajo un prisma diferente a la del 36: insurrecciones protagonizadas por el pueblo, bien guiado por un arrebato nacionalista, como en Cataluña, o movido por la miseria y las aspiraciones de mejora social, como en Asturias y otros puntos del país.

Lo cierto es que estas rebeliones obligaron al gobierno a reaccionar, dándose la paradoja de que quien iba a restablecer el orden democrático en el norte era el mismo Franco (entre otros) que dos años más tarde desataría la guerra civil. Todos estos son asuntos muy pantanosos y que me interesan muy poco. Quiero decir, tan poco como la guerra de Independencia o la reconquista, no soy un aficionado a los temas históricos, lo siento. Otra cosa es que me los cuenten de la manera amena y apasionada que emplea Zapico en su Balada.

La balada del norte. Tomo 2. de Alfonso Zapico, edita Astiberri - comic guerra civil España
El gran problema con nuestra guerra civil es que todavía se emplea como arma política, como excusa ideológica para desacreditar a unos u otros. Por eso no abundan las aproximaciones no voy a decir objetivas, pero sí al menos que mantengan un cierto equilibrio, que no reduzcan todo a los clásicos dos bandos de Lorca. Todos aquellos que durante años han despreciado el maniqueísmo de buenos y malos en los comics americanos de superhéroes, parecen ahora disfrutar leyendo historias en las que unos (los rojos) son unos santos laicos y los otros (los azules) unos malvados sin redención. Personalmente, acepto encantado el maniqueísmo en los personajes de ficción, pero lo rechazo cuando se supone que nos referimos a la realidad.

Tras la presentación de personajes en el primer tomo, con esa suerte de pareja a lo Romeo y Julieta, él hijo del patrono y ella de un líder minero, Zapico dedica el segundo volumen a la toma de Oviedo. Así que los amantes casi no se encuentran y el protagonismo se deriva hacia un colectivo, una multitud de pequeñas historias que explican el cerco de la ciudad por los mineros, un asunto de resonancias casi míticas en la región y que todavía hoy provoca escalofríos en la burguesía ovetense, al menos entre los que todavía no se han hecho de Podemos.

La balada del norte. Tomo 2. de Alfonso Zapico, edita Astiberri Comic Revolucion Asturias
Era muy difícil contar esto bien pero el autor lo consigue. Por el camino, algunas secuencias impresionantes, tanto en el terreno emocional como en el plano narrativo. Como ejemplo de lo primero la escena del cura. Un personaje sin mayor protagonismo y no especialmente beato al que vienen a dar matarile sencillamente por llevar sotana. En muy pocas páginas Zapico dibuja un pasaje que pone los pelos de punta. Como muestra de su pericia con la puesta en escena elijo la secuencia en la que se explican las controversias entre los diferentes partidos (y partidas) que componen las huestes revolucionarias. Dos milicianos de guardia nocturna se ponen a hablar de lo mal que les caen los comunistas a los socialistas, los del pueblo de arriba a los del de abajo, los mineros a los campesinos, el hermano cura al hermano profesor, etc. Con apenas siluetas y mucho humor se define una situación muy compleja en un alarde de sencillez y eficacia narrativa.

Deliciosa es también la relación con los habitantes de la casa ocupada en Oviedo, sazonada con brillantes notas de humor. O el pasaje con la muerte del padre y el que se dispone justo a continuación, con la infame clave de su fortuna. Todo ello servido con un dibujo tan limitado como expresivo, que presta especial atención a los ambientes y las actuaciones de los personajes, muchos y muy bien diferenciados. Solo nos queda ya esperar por el tercer acto, esa entrada de Franco acompañado de sus tristemente célebres efectivos moros. Este no es que sea un tebeo bueno, ¡es imprescindible!
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viernes, 2 de junio de 2017

LA SAGA DE ATLAS Y AXIS de PAU

La saga de Atlas y Axis - volumen 4 de Pau, edita Dibbuks comic perros
Dib•buks, 2017.
60 páginas, 16 euros.

¡PERREA, PERREA!


Con su cuarto tomo concluye la saga de los famosos perros. El primer volumen se publicó en 2011, pero antes la serie se había paseado durante quince años sin encontrar editor, según confesaba su autor en la introducción. 

Hablamos pues de un esfuerzo prolongado a lo largo de más de dos décadas. Tiempo que nos da la medida de la confianza del dibujante en su obra y en sus propias capacidades. Hace falta mucha fe para aguantar los sinsabores por los que ha tenido que pasar Pau. 


Resistió ofertas para dibujar los guiones de otros, porque él tenía su propia aventura que contar. Evitó otros encargos porque sabía que sus personajes podían abrirle las puertas del mercado internacional que esperaba alcanzar. Y al final lo ha conseguido. Su vida laboral sigue siendo precaria pero sus “famosos perros” han sido traducidos ya a muchos idiomas. Sin salir de Mallorca ha creado unos arquetipos en los que muchos se reconocen y eso tiene mucho mérito. No es el único motivo por el que deberíamos mostrar respeto por su labor.

La saga de Atlas y Axis - volumen 4 de Pau, edita Dibbuks PangeaEl principal nos salta a los ojos desde las primeras páginas de este último tomo. Se trata de una secuencia que se repite en todos los volúmenes. Entre aventuras le gusta situar a sus héroes corriendo por paisajes maravillosos. Valles bañados por la tenue luz del amanecer o montañas rosas que saborean los últimos rayos del día. Nubes, bosques o aguas como espejos, el dibujante es un rey del paisaje y lo demuestra con frecuencia. Aunque las aventuras transcurren en la mítica Pangea, no cuesta reconocer geografías algo más cercanas. Esa calidad con que recrea los fondos aparece también en las actuaciones de sus personajes. Es un dibujante concienzudo, se piensa mucho qué incluye en una viñeta y consigue que sus “actores”, sean protagonistas o secundarios, estén llenos de vida. Sus malos son odiosos y sus comparsas encantadores y todos rezuman verdad. No es tan fácil crear sin resultar artificioso, impostado.

Como tampoco lo es enseñar sin predicar, sin aburrir. Esa es otra característica de la saga que llama mi atención. Como buen autodidacta, le gusta explicar lo que sabe, sobre todo si se trata de asuntos que le parecen prácticos, que pueden servirle de ayuda a alguien. Así que aquí y allá nos topamos con momentos en que los héroes nos cuentan cómo identificar dónde está el norte o reciben una clase sobre cómo montan los nómadas sus tiendas, o sobre anatomía comparada. También demuestra su interés por las cosas de una forma más sutil a través del dibujo. Todo en sus mundos tiene una fisicidad extremadamente convincente. Sus empalizadas, barcas, edificios u objetos parecen reales, sabemos que son habitables y podemos emplearlos, han sido construidos o realizados por alguien, Pau ha entendido cómo y su grafismo nos lo muestra.


Es, no hace falta insistir en ello, un extraordinario dibujante de historietas con un talento natural para la narración gráfica. Talento que ha desarrollado con la lectura atenta de clásicos como Uderzo, Tezuka, Corben, Sakai o Max. Mi única pega en el terreno visual es su uso del color digital. Ya he dicho que en los paisajes puede llegar a ser sublime. Sin embargo en no pocas ocasiones los tonos más oscuros tienden a serlo en exceso, quitando legibilidad a la línea y no solo en las escenas nocturnas. Pero es una molestia menor en una colección que formalmente vuela muy alto.

La saga de Atlas y Axis - volumen 4 de Pau, edita Dibbuks

En cuanto al guión, hay dos aspectos que el lector debe tener en cuenta. El primero es estructural y ya el título nos previene al respecto. Se trata de una “Saga”, toma como modelo las clásicas sagas nórdicas y de ellas no solo extrae muchos elementos típicos de una aventura vikinga sino también la narración dislocada. Ahora se nos explica un episodio, ahora otro y quizás en medio de ambos se introduzca una anécdota del pasado, con mayor o menor relación con la trama principal. Esta forma de narrar puede chocar a quien espere un relato lineal en tres actos. Personalmente reconozco cierta irritación ante algunos de sus giros argumentales. También me llama la atención que despliegue pistas, que van apareciendo de un tomo al siguiente, para luego no desarrollarlas o hacerlo de forma poco convincente. Creo que eso pasa con el asunto de las ovejas terroristas o con el interés romántico del protagonista.

El segundo aspecto supongo que explica el primero. Aunque la superficie de su obra es muy convencional y tal parece que nos encontramos ante un tebeo de animalitos, a la manera de Mickey, Usagi o Mutts, no se dejen engañar. Por otro lado, tampoco se trata de Blacksad ni del Gato Fritz. Quiero decir, no lo veo exactamente como un tebeo para niños a la manera tradicional, pero tampoco de animales comportándose como adultos de acuerdo con los experimentos más rupturistas.

Los ejemplos citados coinciden en transformar a las bestias en hombres. Sean perros, patos o ratones, estas fábulas son mecanismos narrativos que emplean a otras especies para reflexionar sobre nuestras virtudes y vicios. La pretensión de Pau no es exactamente esa. Sus perros hablan como humanos pero se comportan como perros. Esa es su principal innovación y ahí es donde me cuesta seguirlo.

La saga de Atlas y Axis - volumen 4 de Pau, edita Dibbuks dinosaurios
Es quizás más evidente en el primer volumen, donde abundan las escenas de canes meando y sitúa su secuencia de amor animal. Para mi es inadmisible que los héroes no admitan más cortapisa que sus instintos. Eso obviamente lo justifica todo: de repente un personaje desaparece porque, como buen perro, pierde el interés por lo que ocurre, o se da rienda suelta a una violenta venganza porque un perro no piensa en las consecuencias de sus actos. No extraña que dedique su segundo libro a la teoría de la evolución porque Darwin es el profeta de esta nueva revelación. Establecido nuestro paralelismo con el resto de las especies cualquier forma de religión o de reflexión es satirizada con ferocidad. Para Pau son puras farsas que nos alejan de nuestra realidad animal. Lo que le deja con un círculo de eterna violencia del que aparentemente es imposible salir. Solo cabe la resignación. Resignación animal, por supuesto. En ese sentido la saga rezuma una llamativa desesperanza que alcanza su culminación en el tercer episodio. Por un lado con el tremendo pasaje bélico, donde los perros que en el pasado han devorado a sus enemigos sin pestañear se expresan como ardientes pacifistas, cuando descubren que han sido alistados con engaños. Al menos sus bestias no son gregarias. Más impresionante es el relato dedicado al lobo, de gran intensidad dramática y con un final que yo supongo su autor imagina al ritmo de la música heavy a la que es tan aficionado. “Ahora sabéis por qué aúlla el lobo”. La razón es esa violencia que se pega a él de forma aparentemente inevitable. Creo que esa manera irracional o instintiva de ver la vida explica la aleatoria estructura narrativa, refleja la forma en que los protagonistas se enfrentan a su destino. A veces lloran, a veces ríen y la vida sigue. Ese aire despreocupado reina en la serie aunque en ocasiones a los héroes les pasan cosas terribles.

No estamos solo ante el relato vital de unos personajes de ficción sino también ante una visión del mundo muy personal. Como buen humorista Pau consigue que todo tenga bastante gracia. Pero en cuanto nos paramos a pensar la de situaciones dramáticas que relata nos percatamos de que maldita la gracia que tiene. Hay aspectos de su obra con los que estoy radicalmente en desacuerdo. Pero en el conjunto del comic español es un producto completamente original. A mí me ha hecho pensar mucho más que otros experimentos que al final únicamente repiten consignas y lugares comunes. Léanlo con calma y atención.
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viernes, 26 de mayo de 2017

COMICS PARA LA FERIA DEL LIBRO 2017

UN POCO DE TODO

Allá va nuestro variado anual con los tebeos más interesantes de los últimos meses. O algo así.


Escapar. Historia de un rehén Guy Delisle comic edita Astiberri
Guy Delisle
Escapar
Edita: Astiberri
Precio: 23 €

El autor, que nos tenía acostumbrados a sus amenos reportajes sobre países exóticos y a sus desventuras como (mal) padre, adopta en esta ocasión un tono más grave para narrar la odisea de un secuestrado casi en tiempo real. Consigue que sintamos cómo pasa el tiempo, segundo a segundo.
Es un gran reportaje y un tebeo correcto.


Camille Jourdy Rosalie Blum. Edición integral. Edita: La Cúpula comic
Camille Jourdy
Rosalie Blum. Edición integral.
Edita: La Cúpula
Precio: 30 € 

El estreno de su adaptación cinematográfica es una buena excusa para repasar esta encantadora narración. La autora humaniza con habilidad a sus estrafalarios personajes y el relato resulta especialmente interesante en todas las secuencias de acoso, donde adquiere aires casi propios de Hitchcock. Humor e intriga a partes iguales. Todo servido con un grafismo tan personal como delicioso.

Rutu Modan La cena con la reina Edita: Fulgencio Pimentel
Rutu Modan
La cena con la reina
Edita: Fulgencio Pimentel
Precio: 15,95 €

Un sencillo cuento para niños con el ingenio habitual de la Modan. Bien dibujado y muy divertido.
En tiempos de histeria alimenticia, una disparatada fábula que invita a disfrutar de la comida basura y los malos modales a la mesa. Maravilloso.


Neil Gaiman, Fábio Moon y Gabriel Bá Cómo hablar con chicas en fiestas Edita: Planeta Comic
Neil Gaiman, Fábio Moon y Gabriel Bá
Cómo hablar con chicas en fiestas
Edita: Planeta Comic
Precio: 20 €

Un relato corto de Gaiman que parte de una premisa que todo adolescente compartiría: las chicas guapas son extraterrestres. El desarrollo roza el delirio pero los diálogos son inteligentes y el conjunto se lee con agrado. Aunque pienso que un dibujo no tan estilizado le habría ido mejor.



Chris Claremont y John Bolton Marada, la mujer lobo / El Dragón negro ECC ediciones
Chris Claremont y John Bolton
Marada, la mujer lobo / El Dragón negro
Edita:
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viernes, 19 de mayo de 2017

LA BÚSQUEDA EN SUEÑOS DE LA IGNOTA KADATH de CULBARD & LOVECRAFT

La búsqueda en sueños de la ignota Kadath de Culbard y Lovecraft  edita NormaNorma editorial, 2017
144 páginas, 22 euros.

EN LA MESESTA DE LENG

 

Los seguidores de Lovecraft reconocerán en seguida la frase con la que se inicia una de sus novelas con Randolph Carter como protagonista: “Tres veces soñé con la maravillosa ciudad…”. Ahora nos llega su adaptación al comic.


Culbard lo intenta, no es su primera vez con el escritor de Providence. Lo que nos ofrece es un producto pulcro, estructuralmente correcto, con un dibujo minimalista y muy estilizado, una narrativa fluida y un color muy agradable. Si no han leído el relato original esta podría ser una buena manera de hacerse una idea de su contenido.

La traslación es bastante literal, aunque Culbard introduce algunas variantes que resultan lógicas. Por ejemplo, la visualización del malo, ese “caos reptante” al que en el original se cita casi en susurros. El dibujante se ve obligado a concederle más papel para que los lectores puedan visualizar esa amenaza. Si esto resta cierto misterio que Lovecraft dosificaba muy bien, más discutible parece la segunda desviación.

Hay una subtrama en la historia, que se refiere al papel de los recuerdos infantiles en la vida. Kadath mezcla varios géneros muy reconocibles: el policiaco, con el protagonista buscando pistas que le lleven a esa intrigante ciudad; el de aventuras, con hechos que se suceden a un ritmo trepidante con un frenético cambio de localizaciones que no se detiene en ningún momento; y finalmente el terror, a la inconfundible manera de Lovecraft, con sus bestias innombrables y sus escurridizos bichos de texturas oleaginosas. A pesar de todo ello también incluye una reflexión sobre nuestra relación con los sueños y la transitoriedad de la existencia. Pues bien, ya en el original el escritor se permite un subrayado en relación con ese asunto, como es la conversación con el rey Kuranes.

La búsqueda en sueños de la ignota Kadath de Culbard y Lovecraft
Conversación que adelanta y en cierta medida pisa la gran revelación final. Culbard decide no solo no ocultar o mitigar esa parte sino reforzarla, dándole más protagonismo y usándola como introducción para Pickman, otro de los personajes. Está bien en lo que respecta al pintor transformado en alimaña. Pero no tanto cuando se trata de enfatizar unos contenidos que deberían transmitirse de forma más sutil.

En cuanto a la puesta en escena, funciona en algunos escenarios como las canteras gigantes. Pero en general los fondos no son muy imaginativos y más bien buscan evitar el detalle adoptando un tono impresionista que niega la precisión científica del texto de partida. Lovecraft era grande con los adjetivos, escalpelos con los que diseccionaba sus pesadillas transmitiéndolas con frialdad y “objetividad” al lector. Culbard no nos lleva a los páramos y cavernas que encontramos en el original. Falta detalle, contraste, texturas y masas negras, falta carne y sangre. Y sustituye los pasajes de acción, aquellos en los que la lucha es física, las persecuciones, las amenazas, por secuencias en las que prima la palabra, tipos que rajan. En un relato de estas características eso es letal. Es cierto que el texto de Lovecraft contiene todas esas peroratas, esas alusiones poco veladas a Dioses del Sueño y Dioses Otros, pero se incluyen en un contexto sobrecogedor que las acoge dándoles sentido. En resumen, esta es una adaptación bonita de Lovecraft. Que es justo lo que NO debería ser.
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